¿Estas harto de la Navidad? tranquilo, no eres el único. Esta época llena de paz, amor, almas cándidas y axfisiante cariño puede terminar por vencer a las personas más duras y resistentes a base de empalagamiento. A veces es necesario desintoxicarse del exceso de azúcar en vena que propone la programación navideña y que pesa como una losa meliflua de la que es difícil escapar, pues el sonido zambombas, panderetas y cascabelillos está en todas partes y más en la parrilla televisiva y las salas de cine que azuzan al espectador con los mismos clichés de siempre.
Una buena película puede ser el anticlímax perfecto para escapar de esta rutina escarchada, pero no todas valen para este propósito. La calidad en la exposición de una trama que disuelva el ambiente navideño y vuelva a sacar a la persona aguerrida que hay en cada uno de nosotros necesita de cierta maestría cinematográfica.
Si tu figura favorita del Belén es el caganet, brindas con cerveza en lugar de champán y pasas de los especiales de televisión durante estas fechas, estas son tus películas que te propone Huelva Ya:
La Naranja Mecánica
Año: 1971. Director: Stanley Kubrick. Plataformas: HBO max, Movistar +
Para dejar de ser una obra maestra y convertirse en mito, una película debe cumplir varios factores que La Naranja Mecánica cumple. Para empezar tiene que ser polémica, y las escenas de sexo y violencia que recrea (ahora pudieran parecer normales pero en 1971 era la primera vez que este tipo de escenas se veían en la gran pantalla) hicieron que la película se prohibiera durante 30 años en el Reino Unido, debe ser valiente, y La Naranja Mecánica, toma partido, desarrolla el tema y apuesta convincentemente por una opción.
Un mito debe ser también visualmente especial, y la versatilidad fílmica de La Naranja Mecánica nos deja una película repleta de imágenes apabullantes basadas por un lado en la técnica, donde los recursos visuales son ricos especialmente en cuanto a planos cenitales y contrapicados se refiere, en cuanto a iluminación y, por otro lado en la escenografía, una de las especialidades de Kubrick que en esta película brilla en todo su esplendor (cuadros y esculturas con iconos sexuales, azulejos de rombos chillones, esculturas de cristos abrazados…).
Un mito debe también tener ritmo en las secuencias y en esta ocasión las imágenes al ritmo del ‘divino’ Ludwing van Beethoven ofrecen un plus, junto a las peleas ralentizadas para ver los detalles de la lucha, o deliberadamente aceleradas y tanto las secuencias como la acción siguen un esquema definido que hacen que los 131 minutos de película pasen volando.
Un mito no solo debe tener mensaje, sino que además debe calar y en la obra cumbre de Kubrick y la película nos habla sobre la elección del bien y el mal pero de forma ajena a los clichés habituales. Además nos habla de la corrupción política, de la degeneración de la sociedad, de los métodos educativos, de represión y totalitarismos, del papel de la prensa en las sociedades libres, de la música… y todo ello sin adoctrinamientos ni subterfugios alegóricos, la película se muestra tal como es y, guste o no, llega al espectador de forma “cristalina como el agua, clara como el azul del cielo”.
Un mito debe tener también un aire innovador, y en el caso de La Naranja Mecánica se lo da su guion futurista que permite en primer lugar la utilización de un dialecto juvenil en la película que es y ha sido totalmente irrepetible, la gestión de la violencia como sistema narrativo, además de que la propia historia ya tiene de por sí mucho peso y un aire de insolencia feroz.
Trainspotting
Año: 1996 Director: Danny Boyle Plataformas: Google Play, Apple TV, Amazon video, Rakuten
Descarada, psicodélica, frenética y muy divertida pese al horrible trasfondo que muestra. Así es Trainspotting, un sagaz estudio del mundo de la adicción a la heroína en el que están envueltos un grupo de jóvenes que se vuelven caricaturas de si mismos pero con anécdotas a raudales que demostrar en una película en la que pasa un poco de todo. Y es que el primer punto a favor de Trainspotting está en sus personajes, que rompen moldes con respecto a los arrastrados que suelen mostrarnos las películas de este estilo.
Tienen ambiciones y aficiones se divierten, salen con sus amigos, practican el sexo y roban para conseguir más heroína, pero todo en un tono más afable del que podría pensarse en un primer momento, hasta que las naturales tragedias llegan sin darse cuenta. Porque no sólo te muestra el lado negativo de la droga, si no también el positivo, esta pandilla de colgados, cada uno con una personalidad muy excéntrica, pero muy bien definida, tanto como para llegar a creerte a pies juntillas las actuaciones aberrantes de estos tarados adictos.
Tiene también una forma muy moderna de narrarse, magnifico montaje, cámaras al suelo, planos a ritmo de la música al estilo videoclip, alguna metáfora visual, imágenes congeladas para dar al narrador la oportunidad de explicar lo que va a acontecer…una narrativa que le confiere a la película un toque distinto y especial alejada de los filmes convencionales.
Se basa también su fuerza en la estética Underground que consigue de los suburbios de Edimburgo, muy cuidadas las localizaciones, con casas ruinosas y sucias, muebles desvencijados, colchones en el suelo, servicios apestosos (si el cine se pudiera oler) y grandes dosis de suciedad y abandono urbano componen la película.
Titane
Año: 2021 Directora: Julia Doucornau Plataforma: Prime video
Extraña metáfora de la nueva ‘femme fatale’ del terror francés. Titane (Con su Palma de Oro en Cannes como atributo), es una historia sobre la fragilidad de las relaciones humanas en una orgía frenética de sexo, violencia y adrenalina. Se abre al espectador un espectro de sensaciones que va desde la ciega atracción hasta la repulsión por puro instinto, de quedarse con ganas de más a rezar por que se termine pronto.
Doucornau hace de la sutilidad la clave de la narración pone a la imagen como principal conductora de una trama aparentemente absurda y evita el exceso de ruido, de diálogos dejando un constante halo de misterio, la sensación de estar dentro de una distopia en la que una chica con una placa de titanio en la cabeza termina quebrando su vida por los azares de la violencia. Una película para dejarte arrastrar y quizás no para todos los públicos.
Hereditary
Año: 2018 Director: Ari Aster Plataformas: Prime Video, Movistar +, Filmin
«El exorcista de la nueva generación» como la llegaron a calificar desde la crítica internacional dibuja sin duda un nuevo estilo para el terror, más salvaje, más psicológico, más aberrante.
Original, asombrosa, apelando a los instintos más primarios, la factura de Hereditary es impecable. Si hay algo que destaca en la película, es su inmensa dirección en la que cada secuencia está filmada con la agobiante intención de crear una atmósfera densa y asfixiante en la claustrofóbica casa.
Coloca elementos escondidos a plena vista. No te los señala, pero están ahí. Quizás te des cuenta, o quizás no; pero en el caso de que te percates, no podrás dejar de sobreanalizar cada nueva imagen en una desesperada búsqueda de cosas fuera de lugar, aumentando más aún el suspense y la inquietud en una película hecha por y para el terror.
Sin retahíla de sustos, ni trampas para el espectador, Hereditary es la esencia primaria y su terror es constante y sostenido, el agobio permanente de vivir una situación insostenible donde las cartas solo se revelan al final.
Buried
Año: 2010 Director: Rodrigo Cortés Plataforma: Rakuten TV
No se puede hacer más con menos. El experimento de este director español no puede calificarse más que de exitoso. Dos metros cuadrados de escenario, tres elementos muy básicos y un solo actor ¿suena aburrido?, pues no hay una película que te pueda atar más a una butaca que Buried, un thriller claustrofóbico, trepidante en la acción y que encima tiene una carga crítica y moral que hace reflexionar al más narcotizado de los hombres.
Este extraño proyecto mantiene todos los elementos del suspense de Hitchkock, angustia, durante 90 minutos manteniendo el equilibrio emocional en todo momento y haciendo juegos malabares con escasísimos recursos para extraer caviar de las piedras. Para empezar tiene el atractivo de que no hay nada siquiera parecido a esta película a lo largo de los más de cien años de historia del cine, pero si además le sumamos que lo que hace es bordar un guión fantástico cargado de tensión, una buena interpretación y la utilización de recursos fílmicos extraordinarios estamos ante una buena nueva del cine.
El uso de la luz, tan necesario a dos metros bajo tierra, es soberbio, un zippo, un móvil y una linterna con problemas para funcionar logran el efecto y encima queda algo de espacio para el humor negro, para la critica a la burocracia, al sistema empresarial capitalista, a los intereses gubernamentales y a la guerra en sí
Requiem por un sueño
Año: 2000 Director: Darren Aronofsky Plataformas: Movistar +, Filmin
Este epiléptico viaje hasta los infiernos, logra noquear al espectador de una forma brutal, una obra fabulosa que te apuñala de frente, que te desgarra y te lleva a los abismos con una historia sobre las adicciones ‘enganchada’ a la imaginación y el drama, simplemente espeluznante y no apta para sentimentalistas o débiles, aquí no hay redención posible, todo es drama refulgiendo en las entrañas.
En este viaje sin retorno que emprende una serie de personajes en continuo descenso al abismo a un ritmo frenético pero linealmente ‘in crescendo’ hasta el delirio, el filme ya sorprende por el maravilloso y amplísimo abanico de recursos técnicos que utiliza, ruptura de planos, primerísimos detalles, cámaras supe rápidas o súper lentas para acentuar las sensaciones que tienen los personajes en cada momento, ‘zoom-outs giratorios en planos cenitales… son tantos y tan certeros los recursos innovadores y originales que utiliza Arofnosky en esta película que realmente sorprende que se haya podido hacer algo así.
El resultado final de toda esta amalgama de ensoñaciones, movimientos de cámara, alteraciones sensoriales, y juegos de color no es más que el frenesí, una especie de epilepsia que deja una desasosegante sensación de agobio, y sólo es el principio, porque en los últimos veinte minutos es cuando el director deja de jugar tanto con la cámara para hacerlo con la historia, dando al argumento un empujón hacia el vacío que te deja abrumado y jadeante en el sofá ante los añicos de una explosión de cine con mayúsculas, bestial y harto difícil de olvidar para los cinéfilos.
Bailar en la Oscuridad
Año: 2000 Director: Lars Von Trier Plataforma: Filmin
Con una Palma de Oro en Cannes bajo el brazo, Lars Von Trier nos regala una obra desgarradora a través de un guión que en esencia podría asemejarse al de un mal telefilme pero que en las manos del genio danés lo convierte en una deslumbrante obra que desborda todos los límites. Reinventa dos géneros, al fundir los edulcorados musicales de la Edad de Oro de Hollywood con el más puro melodrama, salpicado con destellos de tragedia griega.
La película pone además el estilo documental al servicio de una ficción que camina peligrosamente por el delgado filo que separa lo sublime de lo irreal. Todo ello con una interpretación que Bjork transformó en oro.
Bailar en la Oscuridad tiene uno de los finales más desolador y brutal que se ha visto jamás en el cine. Aviso: deja en estado de shock.
1917
https://www.youtube.com/watch?v=M6euo4jMaUw
Año: 2019 Director: Sam Mendes Plataformas: Google Play, Apple TV, Amazon Vídeo
Una historia contada a través del barro, la mugre y la sangre en la Primera Guerra Mundial. Es un trabajo asombroso, que juega con una cantidad cromática, tanto en interiores como exteriores, de una calidad extrema. Su montaje, su sonido, sus efectos especiales… todo está medido y con el fin de deslumbrar al espectador y meterle dentro de la destrucción sin límites de la Primera Guerra Mundial en un falso plano secuencia de principio a fin que no deja lugar para falsas esperanzas en un ambiente cruel y arrebatador.
El viaje de los protagonistas hacia un futuro incierto se hace además sin ideologías ni patriotismos, importan la guerra y la desolación en una historia de supervivencia, con secuencias capaces de permanecer en el recuerdo y que se ven con el corazón en un puño.
Mommy
Año: 2014 Director: Xavier Dolan Plataforma: Filmin
Si no te gustas las vacaciones en familia, Mommy es tu película. El filme usa como materia prima el amor de una madre: lo acaricia haciéndolo ceder y lo aplasta, poniendo a prueba sus límites. Poniendo a prueba también, las emociones del público en una especie de distopia en la que el gobierno canadiense permite a los padres encerrar a los adolescentes con mal comportamiento en una cárcel para menores.
Hay pocas películas que demuestren que el cine, también es un arte. Donde se arriesga, y donde de vez en cuando hay autenticidad y la historia de Mommy es desgarradora, recordando que la vida puede no ser fácil, que la paciencia no es infinita y que el azar juega su papel con cartas marcadas.
La arrogante juventud del ‘enfant terrible’ del cine, como se le ha apodado, le permite tener la soltura de jugar con recursos para hacer una película fresca e innovadora con la cámara sin perder la perspectiva del dolor carnal de una trama apabullante.
Cafarnaúm
Año: 2018 Directora: Nadine Labaki Plataforma: Filmin
Otra historia que pone en entredicho a la familia con una obra también premiada en el Festival de Cannes con el Premio Especial del Jurado. Con la premisa de un niño que denuncia a sus padres ante los tribunales por «traerle al mundo» la desgarradora historia de desdicha de este niño te hará dudar de las convenciones familiares en familia.
Cruda, pura, descarnada, la directora libanesa hace un retrato social de la pobreza y de la familia desestructurada concitando emociones en una producción muy dura pero filmada con belleza y talento. El film es crítico con las tradiciones en un país de grandísimos contrastes: con los niñas como víctimas, con casamientos consentidos entre familias para quitarse una boca que comer; o con el rol que hombres y mujeres «deben» ocupar según se supone que es su lugar en esa sociedad, y que mediante las desgarradoras declaraciones de los padres pasan de la repulsión a la lástima infinita.
Se trata de una película valiente y sensible, que consigue tirarnos a la cara una realidad de países de nuestro entorno mediterráneo y que explicaría lo que mucha gente busca cuando llega a las fronteras de Europa: dignidad.
